Mis on skulptuuri määratlus. Skulptuur - mis see on? Kuulsad skulptuurid

(kumer kuju eendub vähem kui poole võrra);

kõrge reljeef (kumer kuju ulatub poolenisti välja);

vastureljeef (joonis ei ole kumer, vaid vastupidi, süvistatud)

Sõltuvalt otstarbest jaguneb skulptuur:

arhitektuurse keskkonnaga seotud monumentaalskulptuur (monumendid, monumendid). Seda eristab ideede olulisus, kõrge üldistusaste ja suur suurus;
monumentaal- ja dekoratiivskulptuur hõlmab igat tüüpi arhitektuuriliste ehitiste ja komplekside kaunistusi (atlandid, karüatiidid, friisid, frontoon, purskkaev, aiaskulptuur);
keskkonnast sõltumatu molbertskulptuur on elulähedaste või väiksemate mõõtmetega ning spetsiifilise süva sisuga. Mõeldud lähedalt vaatamiseks.

Skulptuuri saamise meetod sõltub materjalist:

plastik - skulptuuri mahu suurendamine pehme materjali (savi, vaha) lisamisega
skulptuur - tahke materjali (kivi ja muud materjalid) liigsete osade lõikamine
valamine - töö luuakse sulametalli (näiteks pronksi) vormi valamisel

Kujutise materjali ja teostusmeetodi osas jaguneb skulptuur selle sõna laiemas tähenduses mitmeks haruks: modelleerimine ehk modelleerimine – pehmete materjalidega, näiteks vaha ja saviga töötamise kunst; valukoda ehk toreutika – metallist reljeefsete teoste loomine stantsimise, tagaajamise või valamise teel; glyptics - vääriskividele nikerdamise kunst; Skulptuuri harudeks on kivist, puidust, metallist ja laiemalt tahketest ainetest tehtud tööd; lisaks markide valmistamine müntidele ja medalitele (medalikunst).

Väike skulptuur

Töö kõrgust ja pikkust saab suurendada 80 sentimeetrini ja meetrini. Tööstuslikult paljundatav, mis pole molbertiskulptuurile omane. Dekoratiiv- ja tarbekunst ning väikevormide skulptuur moodustavad üksteisega sümbioosi, nagu hoone arhitektuur koos seda kaunistava ümarskulptuuriga, mis moodustavad ühtse ansambli. Väikevormide skulptuur areneb kahes suunas - massiobjektide kunstina ja ainulaadsete, individuaalsete teoste kunstina. Väikeskulptuuri žanrid ja suunad - portree, žanrikompositsioonid, natüürmort, maastik. Väikesed ruumimahulised vormid, maastikukujundus ja kineetiline skulptuur.

Muud tüüpi skulptuurid

Kineetiline skulptuur– kineetilise kunsti liik, milles mängitakse välja reaalse liikumise mõjud. Jääskulptuur on jääst tehtud kunstiline kompositsioon. Liivaskulptuur on liivast tehtud kunstiline kompositsioon. Skulptuurimaterjalid - metall, kivi, savi, puit, krohv, liiv, jää jne; nende töötlemise meetodid - modelleerimine, nikerdamine, kunstiline valamine, sepistamine, tagaajamine jne.

Esinemistehnika

Mis tahes töö tegemisel teeb skulptor kõigepealt joonise või foto, seejärel teostab teose matemaatilise arvutuse (määrab toote raskuskeskme, arvutab proportsioonid); seejärel voolib ta vahast või märjast savist väikese maketi, mis annab edasi ideed tema tulevasest tööst. Mõnikord, eriti kui kavandatav skulptuur peab olema suur ja keeruline, peab kunstnik tegema teise, suurema ja detailsema maketi. Seejärel hakkab ta küljendusest või mudelist juhindudes töötama töö enda kallal. Kui kuju tuleb teha, siis võetakse selle jalaks laud ja paigaldatakse sellele terasraam, painutatakse ja paigaldatakse nii, et ükski osa sellest ei ulatuks üle tulevase kuju ja ta enda piiridest toimib selle jaoks omamoodi skeletina; lisaks kinnitatakse nendes kohtades, kus figuuri kehal peaks olema märkimisväärne paksus, terastraadiga raami külge puidust ristid; samades figuuri osades, mis ulatuvad õhku, näiteks sõrmedes, juustes, rippuvates rõivavoltides asendatakse puidust ristid keerdtraadi või kanepiga, leotatakse õlis ja keeratakse kiududena kokku. Asetades sellise kujuraami statiivile, nimetatakse statsionaarset või horisontaalselt pöörlevat masinat täika, hakkab kunstnik katma raami vormitud saviga, nii et saadakse üldjoontes mudeliga sarnane figuur; seejärel, eemaldades ühest kohast liigselt peale kantud savi, teises kohas lisades selle puudujääki ja viimistledes figuuri osade kaupa, viib ta selle järk-järgult soovitud sarnasuseni loodusega. Selleks tööks kasutab ta erineva kujuga peopesa- või terastööriistu, nn virnad, aga veelgi enam tema enda käte sõrmed. Kogu skulptuuri jätkamise ajal on vaja, et vältida pragude tekkimist kuivavas savis, pidevalt säilitada selle niiskust ja selleks aeg-ajalt niisutada või piserdada figuuri veega ning katkestades töö. kuni järgmise päevani mähkige see märja lõuendi sisse. Sarnaseid tehnikaid kasutatakse ka märkimisväärse suurusega reljeefide valmistamisel - ainsa erinevusega, et savi tugevdamiseks kasutatakse raami asemel suuri terasnaelu ja polte, mis lüüakse laudpaneeli või madalasse kasti, mis toimib raamina. reljeefi alus. Olles voolimise täielikult lõpetanud, hoolitseb skulptor oma tööst savist tugevamast materjalist täpse foto tegemise eest ning kasutab selleks voolijat. See viimane eemaldab savi originaalist nn must vormiriietus (á creux perdu) alabastrist ja sellele valatakse teose kips. Kui kunstnik soovib saada valatud mitte ühes, vaid mitmes eksemplaris, siis valatakse need nn. puhtal kujul (à bon creux), mille valmistamine on eelmisest tunduvalt keerulisem (vt vormimine).

Ilma savist originaali eelneva voolimiseta ja selle kipsvalu valamiseta ei saa valmis ühegi enam-vähem mahuka skulptuuriteose loomine - olgu see siis kivi või metall. Tõsi, oli skulptoreid, näiteks Michelangelo, kes töötasid otse marmorist; kuid nende eeskuju jäljendamine eeldab kunstnikult erakordset tehnilist kogemust ja ometi võib ta sellise julge töö juures igal sammul langeda parandamatutesse vigadesse.

Kipsvalanduse kättesaamisega võib lugeda olulise osa skulptori kunstilisest ülesandest täidetuks: jääb üle vaid paljundada valandit vastavalt soovile kas kivis (marmor, liivakivi, vulkaanituff jne) või metallis. (pronks, tsink, teras jne. .), mis on juba poolkäsitöö. Marmor- ja kiviskulptuuri tegemisel üldiselt kaetakse krohvi originaali pind terve punktide võrgustikuga, mida kompassi, loodijoone ja joonlaua abil korratakse viimistletaval plokil. Sellest kirjavahemärgist juhindudes eemaldavad kunstniku assistendid tema juhendamisel lõikuri, peitli ja haamriga ploki mittevajalikud osad; mõnel juhul kasutavad nad nn täpiline raam, milles vastastikku lõikuvad niidid näitavad neid osi, mis tuleks ära lüüa. Nii tuleb karedast plokist vähehaaval välja kuju üldvorm; see valmib kogenud töömeeste käe all õhemaks ja peenemaks, kuni lõpuks annab sellele lõpliku viimistluse kunstnik ise ning pimsskiviga poleerimine annab teose pinna erinevatele osadele võimaliku sarnasuse sellega, mida loodus ise selles osas esindab. Et sellele optiliselt lähemale jõuda, hõõrusid iidsed kreeklased ja roomlased oma marmorskulptuure vahaga ning isegi värvisid kergelt ja kullatasid (vt polükroom).

Materjalide kasutamine

Pronks

Skulptuuride kõige olulisem materjal koos marmoriga on pronks; marmor sobib kõige paremini õrnade, ideaalsete, valdavalt naiselike vormide reprodutseerimiseks; pronks – julgete, energiliste vormide edasiandmiseks. Veelgi enam, see on eriti mugav aine juhul, kui teos on kolossaalne või kujutab tugevat liikumist: sellise liikumisega animeeritud figuurid ei vaja pronksis teostatuna jalgade, käte ja muude osade tugesid, mis on vajalikud sarnastel nikerdatud kujunditel. valmistatud rabedast kivist. Lõpetuseks, vabas õhus seismiseks mõeldud teoste puhul, eriti põhjamaises kliimas, eelistatakse pronksi, kuna see mitte ainult ei rikne atmosfäärimõjude mõjul, vaid saab oksüdeerumise tõttu oksüdeerumise tulemusena ka roheka või selle pinnal on silmale meeldiv tume kate, nn paatina. Pronkskuju valmistatakse kas sulametalli valamisel eelnevalt ettevalmistatud vormi või vasardades see metallplaatidest välja.

Üks pronksskulptuuride valmistamise meetoditest on pronksi õõnesvalu meetod. Selle saladus peitub selles, et kujukese esialgne kuju tehakse vahast, seejärel kantakse peale savikiht ja vaha sulatatakse välja. Ja alles siis valatakse metall. Pronksivalu on kogu selle protsessi koondnimetus.

Mis puudutab väljalööki (nn töö repoussè), siis koosneb see järgmisest: võetakse metallist leht, see pehmendatakse tulel kuumutamisel ja haamriga lüües lehe sisekülge, antakse sellele vajalik kumerus, esmalt kareda kujul, ja seejärel sama töö järkjärgulise jätkamisega kõigi detailidega, vastavalt olemasolevale mudelile. Seda tehnikat, mille jaoks peab kunstnikul olema eriline osavus ja pikaajaline kogemus, kasutatakse peamiselt mitte eriti suurte bareljeefide teostamisel; suurte ja keerukate teoste, kujude, rühmade ja kõrgete reljeefide valmistamisel kasutatakse seda praegu ainult siis, kui on vaja, et need oleksid suhteliselt kerged. Nendel juhtudel lüüakse töö välja osadena, mis seejärel ühendatakse kruvide ja kinnitusdetailidega üheks tervikuks. Alates 19. sajandist on reljeeftrükk ja valamine paljudel juhtudel asendatud metalli sadestamisega vormidesse elektroformimise abil.

Puu

Lugu

Vana maailm

Kunstiloomingu esimesed ilmingud skulptuuri vallas on peidus muinasaja pimeduses; pole aga kahtlust, et need põhjustasid, nagu hiljem tekitasid noored hõimud, inimese, kes polnud veel metsikust seisundist välja tulnud, vajadus väljendada sensoorse märgiga mõtet jumaluseks või kallite inimeste mälestuse säilitamiseks. Sellele põhjusele vihjab iidsete kreeklaste poeetiline legend plastilise kunsti leiutamisest – legend, mille järgi koor, korintlase tütar Wutada, soovides armukesest lahku minnes hoida oma pilti mälestusena, visandas ta tema pea piirjooned mööda päikese heidetud varju ja isa täitis selle silueti saviga. Millised olid skulptuuride esialgsed katsetused eelajaloolisel ajastul?Kohtustada võimaldavad ebajumalad, mille Euroopa reisijad leidsid oma esimesel külastusel Vaikse ookeani saartele, näiteks Hawaii saartelt. Need on lihtsad sambad, millel on nõrgad, koletulikud vihjed inimnägudele ja jäsemetele. Skulptuuri ajalugu algab umbes kolmkümmend sajandit eKr. e., antiikmaailma vanimatest kultuurrahvastest, egiptlastest.

Iidne Egiptus

Egiptuse skulptuur jäi kogu oma ajaloolise elu jooksul arhitektuuri lahutamatuks kaaslaseks, järgides selle põhimõtteid ja kaunistades oma hooneid jumalate, kuningate, fantastiliste olendite ja ehitise otstarbele vastavate plastiliste maalidega. Alguses (Memphise perioodil) avaldas ta hauataguse elu kohta levinud ideede mõjul tugevat kalduvust realismi poole (portreekujud mastabades ja matusegrottides, vaarao Khafre kuju ja Kairo Sheikh el Beled Egiptuse muuseum, Louvre'i "Scribe" jne), kuid seejärel külmutas tavapärastes, kunagi väljakujunenud vormides, mida peaaegu ei saanud muuta kuni Egiptuse kuningriigi langemiseni. Hämmastav kannatlikkus ja osavus tehniliste raskuste ületamisel selliste kõvade materjalide nagu dioriit, basalt ja graniit töötlemisel, hõimutüübile iseloomulik reprodutseerimine, kolossaalsuse ja rangelt proportsionaalsete kujundite vormisümmeetria ja pühaliku rahu andmisega saavutatud majesteetlikkus – need on iseloomulikud omadused. Egiptuse Teeba ja Saisi kujudest, mis kannatasid aga individuaalse iseloomu ja tegeliku elu väljenduse puudumise tõttu (Ramses II hiiglaslikud figuurid Abu Simbelis, Memnoni kujud jne). Egiptuse skulptorid olid jumalate kujutamisel väga osavad inimvormide kombineerimisel loomamaailma vormidega, kuid veelgi osavamad olid nad loomakujude taasesitamisel (lõvipaar Rooma Kapitooliumi trepil). Erinevates värvides maalitud reljeefid katsid Egiptuse hoonete seinu ohtralt, nagu vaibad, kujutades vaaraode vägitegusid ja Venemaa ajaloo meeldejäävaid sündmusi - templites ja paleedes, episoode igapäevaelust ja jumalate austamist - matuseehitistes. Nende reljeefide teostusviis oli eriline: nendel olevad figuurid kas eendusid veidi süvendatud taustal (tasakummerad reljeefid, koylanaglüüfid), või, vastupidi, läks veidi sügavamale taustale (tasa-nõgusad reljeefid). Perspektiivi puudumine, kompositsiooni ja kujunduse konventsionaalsus ning muud puudused ei takista neid kujundeid olemast peensusteni detailne narratiiv rahva elust, uskumustest ja ajaloost.

Mesopotaamia

Siis, alates esimestest sajanditest, mis järgnesid Dorian sissetungile Peloponnesosele, ei säilinud usaldusväärseid teabeallikaid ega mälestusmärke, kuid 7. sajandi lõpust eKr. e. Selguvad tõendid kreeklaste ulatuslikust kunstilisest tegevusest, mis keskendus peamiselt luksuslike altaripakkumiste valmistamisele templite jaoks, veininõude ja muude majapidamistarvete valmistamisele. Nende tootmisega tegelesid eelkõige Sami ja Chiose käsitöölised, kes saavutasid suurt edu metallitöötlemise tehnikates.

Kasvab ka inimkeha vormide taasesitamise oskus, eriti jumalate ja kangelaste kehastustes. Varem kujutati jumalaid töötlemata puidust ebajumalatena (nn xoans), jäikade, mõnikord vaevu nähtavate ja kehaosadest eraldamata. Siis muutusid skulptuurid elavamaks ja nende kehad olid puidust ning pead ja käed marmorist (sellised skulptuurid on nn. akroliitid). Ilmusid ka esimesed katsetused krüsoelefantiini plastiga. Marmor ja pronks on järk-järgult levimas: pronks esialgu Joonia ja Väike-Aasia linnades, marmor teistes Kreeka linnades.

Võimlemisvõistluste võitjate auks püstitatud kujude loomise protsess, mis ei kujutanud skulptuurset portreed, vaid idealiseeritud kujusid, sundis Kreeka skulptoreid hoolikalt uurima alasti inimkeha. Kõikjal, Aeginas, Argoses, Sikyonis, Ateenas ja mujal, tekivad skulptuurikoolid ning skulptorite Dipoin ja Scyllis hulgas on kuulsad Callon, Onat, Ageladus ja mõned teised.

VI-V sajandil eKr e.

6. sajand ja 5. algus – Kreeka skulptuur kaotab oma idapoolse mõju ja hakkab iseseisvalt arenema. Selle ajastu olulisemate mälestusmärkide hulka kuuluvad Sitsiilia vanimate Selinuntia templite metoobid, Ateena Aegina templi frontoonirühmad, mis on talletatud Müncheni Glyptotekis ja mis kujutavad stseene kreeklaste võitlusest troojalastega.

Teine sama koolkonna suurmeister Praxiteles armastas Skopase kombel kujutada sügavaid aistinguid ja kirest tingitud liigutusi, kuigi ta oskas kõige paremini ideaalis ilusaid nooruslikke ja poollapselikke kujundeid, milles oli tunda vaevu ärganud või veel varjatud kirge (Apollo , Saurocton, Cniduse Aphrodite, Olümpiast leitud Hermes beebi Dionysosega süles jne).

Vastupidiselt idealistlikele Ateena meistritele töötasid Argoses ja Sikyonis sama ajastu Peloponnesose koolkonna skulptorid naturalistlikus vaimus, luues peamiselt tugevaid ja kauneid meesfiguure, aga ka kuulsate tegelaste portreesid. Nende kunstnike seas oli ka pronksskulptor Lysippos, Aleksander Suure kaasaegne ja lemmik, kes sai kuulsaks oma portreepiltidega, kes lõi oma apoxyomenos atleedi kujuga (st lagendikuga) inimkeha uue proportsioonikaanoni. palaestra tolmult) ja kes muide lõi Heraklese tüüpilise kuvandi .

Kreeka rahva iseseisva eksisteerimise viimasel perioodil, Aleksander Suure ajastust kuni Kreeka vallutamiseni roomlaste poolt, toimus skulptorite loovuse langus. Nad ei kaota eelmistelt skulptoritelt päritud teadmisi ega tehnilisi oskusi, vaid viivad selle oskuse isegi peenemasse, kuid toovad kunstisse sisuliselt uusi elemente, ei ava sellele uusi suundi, vaid ainult kordavad, kombineerivad ja modifitseerivad. vana, hoolides vaid oma tööde kolossaalsest suurusest ja kujundite keeruka rühmituse maalilisusest vaatajale mulje taastoomisest ning töid iseloomustab sageli liialdatud paatos ja teatraalsus.

Sel ajal õitsesid Rhodia ja Pergamoni skulptuurikoolkonnad: esimene kuulub kuulsasse Laocooni rühma (Vatikani muuseumis Agesanderi ja tema poegade Athenodoruse ja Polydoruse looming) ning Napoli muuseumi "Farnese pulli" Apolloniuse ja Tauriskuse tööd); teine - Kapitooliumi muuseumide "Surev gallia", Villa Ludovisi "torkav gallia" (itaalia) vene keel ja monumentaalse Pergamoni altari (asub Berliinis Pergamoni muuseumis) suurepärane reljeefne friis.

Vana-Rooma

Oma arengu viimases faasis läks kreeka skulptuurikunst roomlastele üle. Rahval, kes oli kutsutud arendama riigielu aluseid ja valitsema oikumeeni, ei jäänud esialgu aega kunsti ja esteetiliste naudingute jaoks; Seetõttu oli ta alguses rahul sellega, mida ta etruskidelt kunsti osas sai ja mida toodavad nende koolitatud kohalikud käsitöölised. Etruski kunst peegeldas esmalt Ida ja seejärel Kreeka mõju; kuid see kunst on säilitanud igaveseks osa oma primitiivsest kuivusest ja karedusest, kuigi tehniliselt on see saavutanud märkimisväärset edu - välja on töötatud tehnikad terrakotafiguuride ja reljeefide valmistamiseks ning erinevate esemete pronksist valamiseks; Eelkõige oli see kuulus oma kunstilise ja tööstusliku iseloomuga käsitöö poolest. Pärast seda, kui Kreeka langes ja selle skulptorite töid toodi massiliselt Rooma, kuhu pealegi hakkasid kunstnikud kogunema, oli täiesti loomulik, et Kreeka täiuslik kunst tõrjus Etruria keskpärase kunsti igavesest linnast välja. Kreeka meistrid asusid roomlaste heaks tööle ja leidsid nende hulgast õpilasi ja jäljendajaid. Sel ajal nii kreeka kui ka rooma käest ilmunud teosed on aga enamasti vaid teisejärgulised: need on enam-vähem õnnestunud koopiad kuulsatest kreeka skulptuuriloomingutest või nende imitatsioonid. Parimateks sellistest töödest võib välja tuua Mediceani Veenuse, Kapitooliumi Veenuse, Vatikani Ariadne, Belvedere Apolloni jt kujud. Rooma skulptorid ei piirdunud aga lihtsate jäljendajate rolliga: idealiseerimisest vähe hoolides püüdsid nad loodust edasi anda täpsuse ja jõuga. Seda iseloomustavad nende ajaloolised kujud ja büstid, mis täidavad tänapäeva muuseume (näiteks Augustuse kujud Vatikanis, Marcus Aureliuse ja Agrippina kujud Kapitooliumi muuseumides). Sama soov peegeldub skulptuurides, millega roomlased kaunistasid avalikke monumente, et jäädvustada Venemaa ajaloo kuulsusrikkaid sündmusi, vägitegusid ja võite, mis laiendasid Rooma võimu kaugele (reljeefid Tituse, Septimius Severuse, Marcus Aureliuse võidukaaredel , Traianuse, Antoninuse ja Constantinuse veergudel) .

Vaevalt oli teisi inimesi, kes kulutasid skulptuurile nii palju marmorit kui roomlased; kuid nende töö tulemus osutus sageli väga kesiseks ja nad ise, kiirustades oma töid mitmekordistama, pöörasid ilmselt rohkem tähelepanu nende kvantiteedile kui kvaliteedile, mis kiiresti langes, ja Constantinus Suure ajastul. langes väga madalale.

See on olukord, kus kristlus leidis skulptuuri, olles võitnud paganluse. Uus religioon ei pakkunud selle kunstiharu arenguks soodsaid tingimusi: plastilised kujundid ja vormid tundusid esimestele kristlastele liiga materiaalsed, liiga sensuaalsed ja pealegi ohtlikud sellest vaatenurgast, et võisid usklikud tagasi paganluse juurde juhtida. kultus. Seetõttu oli skulptuuril kristluse esimestel sajanditel maalikunstile ja mosaiikidele ülimuslikkuse loovutanud vaid allutatud roll, mida kasutati peamiselt dekoratiivsetel eesmärkidel.

Musta Aafrika skulptuur

Mesoameerika skulptuur

keskaeg

Olulisemad mälestusmärgid, mis sellest ajast meieni on jõudnud, on reljeefidega sarkofaagid, mis personifitseerivad sümboolselt uut maailmapilti või reprodutseerivad piiblistseene. Siiski on säilinud ka mitmed iidsed kristlikud kujud (Püha Peetruse pronkskuju Peetri katedraalis Roomas, Püha Hippolytose marmorkujud Lateraani muuseumis). Välimuselt erinevad kõik need mälestusmärgid vähe hilispaganlikest; nende tehniline teostus on väga nõrk, kuid neis on tunda uute ideede hingust ja siirast usku.

Varakeskaja pimedal ajal oli skulptuur täielikus allakäigus: Bütsantsis ja üldiselt idas jäi see suurettevõtete jaoks kasutusest välja ja tootis vaid pisiasju, nagu elevandiluust diptühhonid, ristid, pühade raamatute raamid. ja ikoone ning läänes, kus ta pidi rahuldama ka peaaegu eranditult religioosse kultuse vajadusi, vegeteerides ebamääraste, väljasurnud iidsete legendide põhjal.

Romaani kunstiajaloo perioodil võib välja tuua mitmeid huvitavaid nähtusi. Sellised on Hildesheimi katedraali pronksuksed 11. sajandil - oskusliku valukoja piiskop Bernwaldi töö, 12. sajandil - suur font Lüttichi Püha Bartholomeuse kirikus, kolossaalne välisreljeef kivimüüril Vestfaalis. ning Bourges’i ja Chartres’i katedraalide plastist kaunistused Prantsusmaal; 13. sajandil - Freibergi nn Kuldvärav, Berni katedraali font jt.

Esimesed katsed kunsti taaselustada vahetu loodusvaatluse ja muististe uurimisega tehti Saksimaal, veelgi edukamalt Itaalias, kus Nicolo Pisano tõstis 13. sajandi keskel skulptuuri kohe märkimisväärsele kõrgusele (a. kantslid). Pisa ristimiskoda ja Siena katedraal, purskkaev Perugia raekoja ees). Järgnenud gooti arhitektuuristiili domineerimine avas skulptuurile laiema tegevusvaldkonna: selle stiiliga templite keerukate fassaadide, tornide, seinte ja kõigi osade kaunistamiseks oli vaja tugevat plastilise kunsti abi ja ta andis neile arvukalt nikerdatud kaunistusi, reljeefe ja kujusid ning esitas need gooti enda vaimus – müstiliselt ja unenäoliselt. Sedalaadi teosed ilmuvad esmalt Prantsusmaal (Reimsi, Pariisi, Amiensi ja teiste katedraalide skulptuurid) ja seejärel Saksamaal (Trieri, Bambergi, Naumburgi, Strasbourgi ja teiste katedraalide Jumalaema kiriku skulptuurid). Neist teises riigis, 15. sajandi alguses, eristuvad inimfiguure kujutavad kiviskulptuurid juba märkimisväärse ilu ja harmooniaga ning nende drapeering on maaliline ja sisukas paigutus, nagu võib järeldada Kölni toomkiriku kujudest. Saksa plastilise kunsti edasine liikumine kaldub veelgi elavama, individualiseeriva suuna poole, mis paljuski aimab renessansi stiili. Selle suuna esindajateks tuleb pidada Adam Krafti (umbes 1500) ja valumeest Peter Fischerit, mõlemad Nürnbergist. Koos kivi- ja metallskulptuuriga edeneb oluliselt ka saksa puunikerdamine, mille järele oli vaadeldaval perioodil suur nõudlus, nimelt altari- ja muude kirikukaunistuste järele. 16. sajandi kuulsaimad puidunikerdamise meistrid olid nürnberglased Veith Stoss ja Hans Brüggeman ning tiroollane Michael Pacher.

Renessanss

Itaalia

Erinevalt põhjamaadest arenes Itaalias gooti ajastu skulptuur arhitektuurist sõltumatult. Seal võlgnes see oma edu eeskätt eelmainitud Nicolo Pisano pojale Giovannile (Pistoia Püha Andrease kiriku katedraal, paavst Benedictus XI hauakivi Perugias, reljeefid Pisa ristimiskoja kantslile). Selle kunstniku juhtimisega ühinesid mitmed teised Toscana skulptorid, tema otsesed õpilased või jäljendajad, kellest tuntuimad on Giotto, Andrea Pisano ja Orcagna. Tänu nende ja teiste meistrite jõupingutustele heidab Itaalia kunst maha keskaegse kuivuse ja konventsionaalsuse viimased jäänused ning 15. sajandi alguses. astub uuele vabale teele – individuaalse loovuse, animeeritud väljendusrikkuse, sügava looduse mõistmise teele, mis on ühendatud antiigi kriitilise uurimisega. Ühesõnaga renessanss tuleb.

Toscana jääb kunstitegevuse peamiseks keskuseks ja selle kunstnikud loovad teoseid, mis rõõmustavad mitte ainult nende kaasaegseid, vaid ka kaugeid järglasi. Uue liikumise peamised levitajad on Jacopo della Quercia, hüüdnimega "della Fonte" suurepärase purskkaevu tõttu, mille ta Sienasse püstitas; Luca della Robbia, kes tegi endale nime eelkõige küpsetatud ja glasuuritud savi reljeefidega, ja üliandekas Donatello. Nende jälgedes on rohkem või vähem andekate käsitööliste falang. Paavst Leo X valitsemisajal jõudis itaalia skulptuur, nagu ka teised kunstiharud, oma arengu kulminatsioonini Gian Francesco Rustici, Andrea Contucci (Sansovino) ja lõpuks särava Michelangelo Buonarroti töödes. Kuid viimane mõjutas kogu oma ande tohutult ja isegi selle tulemusena skulptuuri edasisele käekäigule saatuslikku mõju: tema jõuline, kuid liiga individuaalne ja vaba stiil käis tema arvukatele õpilastele ja jäljendajatele üle jõu. , kellest paistavad silma vaid Giovanni da Bologna ja Benvenuto Cellini ja Jacopo Tatti; Suurem osa skulptoreid langes suure Firenze juhendit järgides kapriissesse omavolisse ja üht välist efekti taotledes. Mida edasi, seda enam kaotas skulptuur oma endise lihtsuse ja siiruse, nii et 17. sajandil Itaalias domineerisid selles kunstiharus juba Lorenzo Bernini, Alessandro Algardi ja nende lugematute järgijate maneerid. See barokiks tuntud stiil jätkus 18. sajandil, mil vahel ilmus teoseid, mis ei puudunud majesteetlikkusest ja andsid tunnistust esitajate rikkalikust fantaasiast, kuid sagedamini neid, mis olid uudishimulikud vaid oma pretensioonikuse tõttu.

Prantsusmaa

Väljaspool Itaaliat peegeldas skulptuur alates 16. sajandist Itaalia skulptuuri mõju ja esindas üldiselt vähe olulisi nähtusi. Mõned neist väärivad siiski mainimist. Selline on näiteks Prantsusmaal asutatud Fontainebleblos skulptuurikoolkond, mille esindajad Jean Goujon, Germain Pilon jt jätsid järglastele väga andekaid töid. Lisaks ei saa mainimata jätta Pierre Puget, Francois Girardon, Antoine Coisevo - Prantsuse skulptoreid, kes elasid ja töötasid Louis XIV ajastul; kuid nende teosed kannatavad suuresti teatraalsuse all, mis 18. sajandil Prantsusmaal jõudis tühja, räpane kiindumuseni.

Holland

Hollandi kunstnikest väärib tähelepanu itaallaste hüüdnime saanud France du Quesnoy il Fiammingo, kes elas Bernini ajal Roomas ja jäi sellest hoolimata vabaks itaalia maneeridest. Üliõpilane Art Quellinus du Quesnoy oli looduskäsitluses veelgi naiivsem ja puhtam. Kolmas märkimisväärne Hollandi skulptor, Giovanni da Bologna õpilane Adriaan de Vries, on tuntud kaunilt läbimõeldud ja meisterlikult teostatud pronksitööde autorina.

Saksa maad

Mis puutub Saksa renessansi, siis seal kasutati skulptuuri peaaegu eranditult matusemälestiste ning arhitektuuriliste ja dekoratiivsete eesmärkide jaoks. 18. sajandi Saksamaa skulptorite seas paistsid aga üle keskpärasuse piiri silma andekad meistrid: Andrei Schlüter Berliinis (suure kuurvürsti monument selles linnas) ja Raphael Donner Austrias (purskkaev Uuel turul aastal). Viin).

Üleminek uuele ajale

18. sajandi teisel poolel ärkas arusaam kunsti sotsiaalsest tähtsusest ja väärikusest; see viib ühelt poolt looduse otsese jäljendamiseni, mida ei hägusta ettekujutatud põhimõtted, ja teisest küljest hoolika uurimiseni selle kohta, milles ja kuidas selline loodusvaade õitsengu aegade kunstiloomingus väljendus. Kreekast. Teisele neist püüdlustest andis tugeva tõuke Winckelmann, kes oma kirjutistes antiikkunsti kohta kõnekalt selgitas nende suurt tähtsust ja jutlustas nende vastu tulihingelist armastust. Selle teadlase ettevalmistatud pinnas hakkas aga vilja kandma alles hiljem, pärast seda, kui üldine huvi Kreeka antiikaja vastu suurenes ja selle kunstimälestiste väljaanded hakkasid ilmuma ning Euroopa muuseume hakati rikastama kas ehtsate plastiliste kunstide või krohviga. valatud neist. Esimesed katsetused skulptuuri ajakohastamiseks iidse kunsti põhimõtete juurde naasmisel tegid 19. sajandi alguses rootslane I. T. Zergel ja itaallane Antonio Canova. Eriti just viimane sai sel teel tuntuks, kuigi tema arvukad, tehnilises mõttes meisterlikud teosed ei ole veel võõrad senisele itaalialikule maneerile ja langevad sageli välise eputuse või suhkrurikka sentimentaalsuse alla. Nende skulptoritega sama teed läksid peagi ka paljud teised, enamasti nende otsesed jäljendajad. Nendest kunstnikest tuleb parimatena välja tuua prantslane Chaudet (kuju "Amor ja liblikas" Louvre'is, Pariis), hispaanlane X. Alvarez (rühmitus "Antilochus kaitseb Nestorit", tuntud nime all: "Defense of the Defense of Nestor"). Zaragoza), inglane John Flaxman ja sakslastel Trippel ("Bacchae" kuju jne) ja Danneker (kuulus "Ariadne pantril", Bethmannis Maini-äärses Frankfurdis). Kuid keegi ei saavutanud nii säravaid tulemusi kui taanlane Bertel Thorvaldsen. Omades ammendamatut kujutlusvõimet, lõi ta hulga erinevaid puhtalt kreekapärases vaimus loodud teoseid, mis rabavad puhtalt iidse vormide õilsusega, kuid samas täiesti originaalsed, mõnikord ülevad, mõnikord naiivselt idüllilised ja graatsilised.

Uus aeg

Prantsusmaal jätkas plastiline kunst Louis XIV ajastu tseremoniaalse õukonna suuna järgi, süvenedes üha enam afektidesse. Selle aja parim skulptor oli Jean-Baptiste Lemoine (1704-1778; arvukalt büste ja kujusid kaasaegsetele kuulsustele). Tema õpilane Falconet (1716-1791), Peterburi Peeter Suure monumendi andekas autor. Bouchardon (1698-1762) ja Pigalle (1714-1785; Saksimaa marssal Moritzi kuju Strasbourgis) püüdsid töötada iidse kunsti vaimus. Prantsuse koolkond heitis enne teisi absoluutse klassitsismi ikke ja läks julgelt realismi teed. Houdon (1741-1828) tõi prantsuse skulptuuri suurema lihtsuse ja elujõu; tema kuulus Voltaire'i kuju Comedie Francaise'is (teine eksemplar asub keiserlikus Ermitaažis) annab hämmastava truudusega edasi Ferney filosoofi välimust ja sarkastilist iseloomu. Samuti Esimese Impeeriumi skulptorid Cartelier, eelmainitud Chaudet, F. Bosio (Vendôme'i sammaste bareljeefid, Louis XIV ratsakuju Pariisis Place des Victories), F. Lemo (Henry IV kuju Pont Neufil Pariisis), J. Cortot (saadikutekoja frontoon, Napoleon I apoteoos triumfiväravas. Tähed Pariisis) ja nende lähiõpilased, korrektsed ja elegantsed, on oma kompositsioonides endiselt külmad; kuid nende kõrval tegutsevad juba kolm kunstnikku, kes toovad prantsuse skulptuuri kirevat eluvoolu. Need on F. Rud, J. Pradier ja J. David Angersist. Esimene neist (“Merkuur seob tiibu jalgadele”, “Noor Napoli kalur”. “Orleansi neiu”, kujud Louvre’i muuseumis ja eriti “Vabatahtlikud aastal 1792”, rühmitus Tähe triumfiväraval) pidas ülimalt tähtsaks vahetut loodusvaatlust, tugevalt ja tõepäraselt väljendatud liikumist ja tunnetust ning paistis samas silma hämmastava kaunistuse peensusega. Alguses. XIX sajandil Angersi David ja Pradier püüdsid iidseid traditsioone romantismiga ühitada. Pradieri anne oli pigem väline ja avaldus peamiselt naisekeha vormide graatsilises käsitlemises, võluvate, elavate, kuid sensuaalsete kujundite loomises (“Easy Poetry”, “Flora”, “Graces”, “Bacchae and Satyr” ", jne.). Realismi tugev pooldaja ja igasuguse konventsiooni vaenlane David Anžerskist ei hoolinud mitte niivõrd joonte ilust ja keeruliste kompositsioonide puhul selgest rühmade jaotusest, vaid kujutatu täpsetest omadustest; tema teosed (Pariisi panteoni tümpanon, Conde kuju Versailles's, paljud portreekujud, büstid ja medaljonid) on alati läbi imbunud sügavast ideest ja kõrgest ekspressiivsusest, mis jätab kõige tugevama mulje, kuna on põimitud vormidesse, mis on otse reaalsusest võetud. Need voorused tegid Davidist hiljuti pensionile läinud põlvkonna skulptoritest kõige mõjukama mitte ainult Prantsusmaal, vaid ka Belgias. Kolme mainitud Prantsuse New Age skulptuuri liidri kõrvale tuleks asetada Rude’i ja Angersi Davidi vääriline järgija F. Duret (“Napoli improvisaator”, “Napoli tantsija”, Racheli kuju Phaedra rollis. Prantsuse Komöödiateater Pariisis), kes moodustas omakorda E. Delaplanche’i andeka õpilase (“Emaarmastus”, “Muusika”, Aubert’ portree). Paljud Pradieri õpilased ja järgijad töötasid üldiselt tema vaimus, jõudes mõnikord sensuaalsuse kirest kaugemale kui tema, mõnikord kahandades seda sooviga puhtama ideaali ja ülla armu järele ning hoolitsedes pidevalt oma tehnilise teostuse eest. töötab kõrgeima täiuslikkuse astmeni. Nende kunstnike rühma kuuluvad: O. Courtet (“Faun ja Kentaur”, “Leda”, Adrienne Lecouvreuri kaunis portree Prantsuse Komöödiateatris Pariisis), A. Etex (“Cain”, “Hercules ja Antaeus” ja kaks rühma Tähe võiduvärava juures: "Vastupanu" ja "Rahu", C. Simard ("Fuuriade jälitatud Orestes"), E. Guillaume (rühm "Muusika" Uues Ooperis, Pariisis, paljud portreed rinnad ja kujud), Idrak ("Haavatud" Cupido" ja "Salammbeau" Luksemburgi muuseumis), J. B. Klesinger ("Sappho", "Ariadne tiigriga", "Joobnud Bacchante") ja A. Chapu ("Joan" Arc" Luksemburgi muuseumis ja "Noored" Regnault' monumendil Pariisi kaunite kunstide koolis). Selles realistlikus suunas töötab ulatuslik ja pidevalt kasvav kool, mille poole andis tugeva tõuke Anžerski David. Selle koolkonna esindajate hulgas on D. Foyatier (Jan d'Arci monument Orleansis, Cincinnatuse ja Spartacuse kujud Tuileries' aias Pariisis), E. Millet (“Apollo”, Grand Opera hoone tipus), ja “Cassandra” Luksemburgi muuseumis Pariisis), A. Preau (Mõrv ja vaikus, kolossaalsed büstid Lachaise’i kalmistul Pariisis) ja A. Carrier-Belez, Davidi õpilastest viljakaim ja stiililt talle lähim ( Madonna Pariisi keskuses S.-Vincennes-de-Paul). 19. sajandi teisest poolest. Domineerivad realistlikud ja naturalistlikud suundumused: Barrias, Bartolome, Carpeaux, Delaplanche, Dubois, Falter, Fremier, Garde, Mercier, geniaalne Rodin. Kaasaegse prantsuse koolkonna naturalism leidis oma viimase, ereda väljenduse J.-B. Carlo, Davidi, Rudi ja Dureti õpilane, kes laenas neilt igaühelt selle, mis neis oli parim, ja ühendas nende teened sellega, mis neil võib-olla puudus oli – ainulaadse, võimsa, isegi ohjeldamatu talendiga, mis sarnaneb andekusega Michelangelole ja , samal ajal Rubens (“Noor Napoli kalamees”, Louvre’i Flora paviljoni plastist dekoratsioonid, Pariisi Suure Ooperi kuulus “Tantsu” rühm). Vaatamata selle ainulaadse meistri varasele surmale jättis ta kunstile sügava jälje ja moodustas üliõpilaste rahvahulga, kellest J. Dali ja krahvinna Colonna, keda tuntakse pseudonüümi Marcello all (“Pythia” Pariisi suure ooperi trepil). ), on äramärkimist väärt. Tolleaegses prantsuse skulptuuris valitsev realism ei välista aga ka muude püüdluste olemasolu selles. Klassikalise koolkonna juhatajaks oli 1839. aastal F. Jouffroy (Luksemburgi muuseumis "The Girl Confiding Her Secret to Cupid"), kelle järgijatest L. Barrias ("Spartacuse vanne" ja "Mozart viiulit häälestamas") ja R. de Saint-Marceau (“Geenius hauasaladust valvamas” Luksemburgi muuseumis); kuid Jouffroy õpilaste paremik A. Falguière näitab selget kalduvust realismi poole (“Egiptuse tantsija”, “Diana” jt), P. Dubois ja A. Mercier on inspireeritud Itaalia renessansi õitseaja skulptuurimälestistest. , otsides rahulikes poosides harmooniat ja ilu (esimeste teostest on eriti tähelepanuväärsed Lamorissiere'i monumendi rühmad: "Sõjaline julgus" ja "Kristlik armastus", samuti "15. sajandi Napoli laulja". ja "Eve"; teise teostest - "David" Luksemburgi muuseumis, Michele monument Pariisis Lachaise'i kalmistul ja rühmitus "Quand même"). Lõpuks on Prantsusmaal õigus olla uhke mitme skulptori üle, kes loomi suurepäraselt paljundavad. Nendest kunstnikest on silmapaistvaim L. L. Barry ("Madu õgiv lõvi", "Puhkav lõvi" ja väikesed pronksrühmad), keda võib pidada selle plastilise haru tõeliseks rajajaks ja suurimaks meistriks. Lisaks temale naudivad samamoodi väljateenitud kuulsust E. Fremier, O. Caen, L. Navale ja A. Bartholdi, kellest viimane, olenemata oma eriala töödest, sai tuntuks ka kolossaalse kujuga. "Liberty", mille Prantsuse valitsus tõi 1886. aastal kingitusena Ameerika Ühendriikidele.

Belgia skulptuur pole midagi muud kui prantsuse keele järeltulija – seda on lihtne seletada asjaoluga, et enamik Belgia skulptoreid omandas või lõpetas kunstihariduse Pariisis. Selle riigi kõige olulisemateks skulptoriteks võib nimetada: Guillaume (Willem) Gefs (riiklik monument märtrite väljakul Brüsselis, Rubensi monument Antwerpenis), tema vend Joseph Gefs (Leopold I monumendid Brüsselis ja William II Haagis), Frankin (Egmonti ja Horni monument Brüsselis) ja Simonis (Bouilloni Godfrey monument Brüsselis).

Saksamaal väärib Thorvaldseni järel tema idealistlikku suunda järginud skulptorite seas eriti tähelepanu L. Schwanthaler, kelle tegevusele Baieri kuninga Ludwig I juhtimisel avanes Müncheni kaunistamiseks lai tegevusväli (Baieri kolossaalsed kujud, skulptuurifriisid kuninga ja hertsog Maximiliani paleedes, reljeefid ja glüptoteeki kaunistavad kujud jne). Paljud õpilased võlgnevad oma hariduse sellele kunstnikule, muide, M. Widimann (Schilleri monument Münchenis jt), L. Schaller (Herderi monument Weimaris, reljeefid Müncheni Pinakoteekis J. vani elustseenidel Eyck, A. Dürer ja Holbein , allegoorilised nelja tähe kujud jne), F. Bruggen (Glucki, kuurvürst Maximilian Emmanueli ja Gaertneri kujud Münchenis, rühmad: “Chiron õpetab Achilleust”, “Mercury ja Calypso” jne. ), K. Zumbusch (Münchenis asuv Maximilian II monument, parim selle linna kaunistamine; Maria Theresia monument Viinis jt) ja M. Wagmuller (“Tüdruk liblikaga”, “Tüdruk sisalikuga”, suurepärane portreebüstid). Gasseri ja Fernkorni poolt Viini toodud Schwanthaleri mõju (ertshertsog Charlesi ja prints Eugene'i ratsakujud) kajastub siiani kohalike skulptorite töödes, kellest väärib äramärkimist Fr.-i monumendi autor K. Kundemann. Schubert ja V. Tilgner, kes ehitas endale portreekujude ja -büstidega meelitava maine. Teistsugune liikumine kujunes välja Berliinis, kus 19. sajandi alguses seadis I. K. Šadov vanavara tähelepanuta jätmata peamiseks ülesandeks taastoota modernsust ja reaalset maailma (vankrid ja metoobid Brandenburgi väraval, mälestusmärgid Ziethenile). ja Dessau prints Leopold Berliinis, Blücher Rostockis, Luther Wittenbergis ja teised). Tema püüdlused arenesid täielikult välja H. Rauchi pikas ja mõjukas töös (monumendid Frederick Suurele Berliinis, A. Dürerile Nürnbergis, Kantile Königsbergis, kuulsad Victoria tegelased, kuninganna Louise'i ja Frederick William III hauakivid Charlottenburgi mausoleumis ). Selle kunstniku asutatud Berliini koolkond andis palju rohkem või vähem osavaid meistreid, nagu: Φ. Drake (bareljeefid Frederick William III monumendil Berliini loomaaias, keiser Wilhelmi ratsakuju Kölni raudteejaamas jt), Schiefelbein ("Pompei hävitamine", suur friis uues Berliinis Muuseum, bareljeefid Dirschau sillal), Bleser (Wilhelm IV ratsakuju Kölnis Reini sillal), A. Kis, kes paistis silma loomade paljundamisega ja töötas edukalt ka ajaloolise skulptuuri kallal (peaingel Miikaeli ja draakonit tapva Püha Jüri kujud; Friedrich William III ratsakujud Königsbergis ja Breslaus), T. Kalide, A. Wolf jt. Berliini New Age skulptoritest on eriti silmapaistev tugev ja kirglik R. Begas (Berliini monument Schillerile, Mendeli büst Rahvusgaleriis; "Pan lohutab psüühikat", "Fauni perekond", "Veenus" ja Cupido” ja teised elu- ja liikumist täis kollektiivid) ja R. Siemering (kuningas Williami marmorkuju Berliini börsil; rühmad “Nümf õpetab noort Bacchust tantsima” ja “Faun annab juua poisile Bacchusele”; “Võit Monument“ Leipzigis). Dresdenis töötas korraga kaks esmaklassilist skulptorit: E. Rietschel, Rauchi õpilane, kes järgis tema realistlikku suunda (põhitööd: majesteetlik Lutheri monument Wormsis, Schilleri ja Goethe monument Weimaris, Lessingi kuju aastal Brunswick) ja idealistliku koolkonna järgija E. Haenel (parimad tööd on Dresdeni kunstigalerii fassaadi dekoratiivsed kujud, prints Schwarzenbergi monument Viinis, Beethoveni kuju Bonnis). Teistest Dresdeni skulptoritest väärivad teistest rohkem tähelepanu: Haeneli õpilane ja järgija I. Schilling (grupid “Öö” ja “Päev” Brulevski terrassil, Rietscheli mälestusmärgid Dresdenis ja Schilleri mälestusmärgid Viinis) ja A. Donndorff, Rietscheli elava ja õilsa maneeri pärija, tema kaastööline Wormsi Lutheri mälestussamba ehitamisel, Weimari Karl Augusti ratsasusamba ning Bonnis Schumanni ja Düsseldorfi Corneliuse monumentide autor.

Inglismaal ei leidnud skulptuur, eriti monumentaalskulptuur, endale soodsat pinnast; selles riigis peegeldab see tugevalt Itaalia mõju. Inglise skulptoritest andekaim, Canova õpilane Gibson, töötas Roomas ja ta tuleks kaasata kohalikku klassikalist koolkonda (marmorgrupid "Amori piinatud psüühika", "Hylas ja nümfid" Londoni rahvusgaleriis, "Queen"). Victoria troonil, halastuse kujude vahel” ja õiglus” parlamendihoones, Leicesteri hertsoginna hauakivi Longfordis ja teised). Canova stiil kajastab paljude teiste inglise kunstnike töid, kes tõlgendasid antiikmüüdi teemasid graatsilistes, silmailu pakkuvates vormides, nagu näiteks P. McDaull (“Virginius ja tema tütar”, “Pesumine unenägu”), R. Westmacott (Addisoni, Pitti, Foxi ja Percivali kujud Westminster Abbeys, Lords Erskine Lincoln's Innis ja Nelson Liverpooli börsil, figuurid Briti muuseumi frontoonil) ja R.-J. Watt (“Flora”, “Penelope”, “Muzidora” jt).

Itaalias ei olnud plastilise kunsti püüdlustes Canova ideaalidest olulisi kõrvalekaldeid. Talle järgnesid andekad kunstnikud P. Tenerani (Torlonia hertsogi ja hertsoginna hauakivid S. Giovannis Lateranos, Pius VIII Peetri katedraalis Roomas, "Psyche" ja "Lamav Veenus Cupidoga" keiserlikus Ermitaažis) ja L. .. Bartolini (Napoleon I kuju Bastias Korsikal ja Machiavelli Uffizi muuseumis Firenzes) töötas selle meistri õilsas klassikalises vaimus. Bartolini õpilane G. Dupre tegi väikese pöörde naturalismi poole ("Jumalaema leinab surnud Päästjat" Siena kalmistul, Cavouri monument Torinos, "Kain" ja "Abel" keiserlikus Ermitaažis). G. Bastiani püüdis taaselustada 15. sajandi Itaalia skulptuuri stiili (“Bacchae rühm”, “Neli aastaaega”, kaunid portreebüstid). Seejärel pöörasid arvukad skulptorid Itaalias oma tähelepanu peamiselt marmori tehnilisele töötlemisele, mille käigus saavutasid nad kõrge täiuslikkuse, valmistades erilise armastusega kaasaegsest reaalsusest laenatud teemasid. Selle liikumise kunstnikest oli märkimisväärseim V. Vela (rühmitus "Prantsusmaa ja Itaalia" ja "Surev Napoleon" Versailles' muuseumis Pariisis, Victor Emmanueli kujud Torino raekojas, "Correggio" kodulinn, filosoof Rosmani ja "Kevade"). Lisaks omamaistele kunstnikele peab Itaalia skulptuuri esindajate hulka kuuluma palju välismaalasi, nagu eelmainitud inglane Gibson, kes elas ja töötas Roomas; sellised on muide hollandlane M. Kessel (“St. Sebastan”, “Pariis”, “Discobolus”, stseenid viimsest kohtupäevast), baierlane M. Wagner (friis Walhallas Regensburgi lähedal; “Minerva”, kunstilise tegevuse patroon frontoonil Müncheni Glyptothek), Bremen K. Steinheiser ("Kangelane ja Leander", "Goethe koos psüühikaga" Weimari muuseumis, "Viiuldaja" jt) ja preislane E. Wolf ("Nereid" ja "Amazon" ” Keiserlikus Ermitaažis, “Venus”, “Judith” ja teised).

Moodsad ajad

Skulptuur Venemaal

Vene impeerium

Petriini-eelsel ajal oli kunstil Venemaal oma kutsumus teenida eranditult religioosseid eesmärke ja kuna õigeusu kirik jälestab inimfiguuride skulptuure, ei saanud skulptuur selle sõna tegelikus tähenduses mitte ainult areneda, vaid ka eksisteerida iidsel Venemaal. '. Tõsi, mõnel pool, eriti endistes Novgorodi piirkondades, austati pühakute nikerdatud ja maalitud kujutisi, kuid need olid võõrad igasugusele kunstilisele tähendusele ja olid lääne mõjul tekkinud tooted. Tegelikult piirdusid plastilise kunsti ilmingud Venemaal väikeste ristide valamise, piltide voltimise, piltide raamide väljalöömise ja kujundlike ikonostaaside nikerdamisega. Lääne-Euroopa tsivilisatsiooni viljade hulgas kandis Peeter Suur sinna skulptuuri, mis aga selle suverääni ajal ja pikka aega pärast teda oli siin külastavate välismaalaste käes. Skulptuuri peategelane Peeter Suure ja Anna Ioannovna valitsusajal oli Peterburi kahureid valama kutsutud hilisema kuulsa arhitekti isa K. B. Rastrelli. Tema maneerilisest stiilist annavad tunnistust keisrinna Anna pronkskuju ja Peterburis inseneride lossi ees seisev Peeter Suure monument.

Vene skulptuur sai alguse alles Katariina II ajal, pärast akadeemia asutamist, kus selle kunsti esimene professor oli 1757. aastal Pariisist kutsutud N. F. Gillet. Ta koolitas mitmeid õpilasi, kellest andekaim oli F. I. Shubin (tema põhitöö oli Katariina kuju Kunstiakadeemias). Akadeemia põhikiri andis parimatele üliõpilastele pärast kursuse lõpetamist valitsuse toetusel võimaluse minna mitmeks aastaks välismaale end täiendama ja Šubin oli esimene noor skulptor, kes seda õigust ära kasutas. Ta alustab pikka, tänapäevani kestvat jada vene skulptoreid, kes elasid ja töötasid välismaal, peamiselt Itaalias. Siin olid nad muidugi mõjutatud tol ajal populaarsetest meistridest ja võtsid omaks tollal domineerinud kunstisuuna. Seetõttu peegeldas Venemaa skulptuur, mis oli kuni viimase ajani vähe iseseisvunud, liikumisi, mis selles kunstiharus toimusid läänes: 18. sajandi lõpus kandis see prantsuse ja seejärel itaalia jäljendit. Canova, Thorvaldseni, Dupre, Tenerani jt stiili vähem märgatavad jooned. Kõige selle juures oli selle esindajate hulgas palju kunstnikke, kes oleksid igale riigile tunnustuseks. Katariina sajandil olid lisaks Šubinile, kes järgis oma teostes naturalismi, keda õilistas austus antiigi vastu, eklektiline rutiinist F. G. Gordejev (Samsoni rühm sellenimelise Peterhofi purskkaevu jaoks) ja andekas, mõnevõrra maneerikas M. I. Kozlovski. (Suvorovi monument Peterburis Tsaritsõni heinamaal, “Amor noolelt noole võtmas” kuju Ermitaažis jt). Aleksander I ja osaliselt Nikolai ajal olid vene skulptuuri silmapaistvad esindajad: V. I. Demut-Malinovski (apostel Andrease kuju Kaasani katedraalis Peterburis, “Vene Scaevola” Kunstiakadeemias, portreebüstid jt. ), S. S. Pimenov (kaks rühma mäeinstituudi sissepääsu juures Peterburis), I. P. Prokofjev (jooksva Actaeoni kuju, Peterhofi purskkaevu tritoonid), I. P. Martos (Moskva Minini ja vürst Požarski monumendid, hertsog Richelieu Odessas, Lomonossov Arhangelskis, kolossaalne Katariina II kuju Moskva Aadlikogus ja teised) ja mõned teised.

Vene skulptuur sai erilise elavnemise keiser Nikolai I valitsemisaja teisel poolel tänu selle suverääni armastusele kunsti vastu ja kodumaistele kunstnikele pakutavale patronaažile, aga ka sellisele tohutule ettevõtmisele nagu Iisaku katedraali ehitamine ja kaunistamine aastal. Peterburis ja Moskva Päästja Kristuse katedraalis. Kõik vene skulptorid, nii vanim kui ka noorim põlvkond, said seejärel märkimisväärseid valitsuse tellimusi ja püüdsid monarhi tähelepanust oma teostele julgustatuna üksteist neis ületada. Vaadeldava piirkonna peamised figuurid olid sel ajal: krahv F. P. Tolstoi (medaljonid Isamaasõjast 1812–1814, kuju “Kannust vett valav nümf” Peterhofis, maketid erinevate pühakute kujudele, templiuksed Päästja), S. I. Galberg (istuva Katariina II kuju Kunstiakadeemias, kuju “Muusika leiutamine” Ermitaažis), B. I. Orlovski (“Ingel” Aleksandri sambal, Kutuzovi ja Barclay de Tolly mälestusmärgid aastal Kaasani katedraali esine, kujud “Pariis”, “Saatir mängib viiulit”, “Faun ja Bacchante” Ermitaažis), I. P. Vitali (Püha Iisaku katedraali kaks frontooni: “Maagide jumaldamine” ja “Püha Iisak” õnnistab keiser Theodosiust”, reljeefid selle templi portikuste all, selle sissepääsuuste skulptuurid ja muud; Veenuse kuju Ermitaažis), parun P. K. Klodt (“Hobusetaltsutajad”, neli rühma Anitškovski sillal, monument fabulist Krylov, Suveaias; keiser Nikolai I kuju hobuse seljas, Peterburis selle suverääni mälestussammas; väikesed hobuseskulptuurid), N. S. Pimenov (rühmad „Ülestõusmine“ ja „Muutamine“ Ikonostaaside peal). Iisaku katedraali väikesed kabelid; kujud “Nuamäng” ja “Almust paluv poiss”), P. Stavaser (kujud “Merineitsi” ja “Faun kingitud nümf” Ermitaažis), K. Klimtšenko (“Nümf pärast suplemist” Ermitaažis), A. A Ivanov ("Poiss Lomonossov" ja "Pariis" Ermitaažis), S. I. Ivanov ("Väike supleja"), A. V. Loganovski ("Vaiade mäng"; reljeefid Iisaku katedraali portikuste all "Süütute veresaun" ” ja „Ingli ilmumine karjastele”; kõrged reljeefid Päästja kiriku välisseintel) ja N. I. Ramazanov (kõrged reljeefid sama templi välisseintelt).

Siiski tuleb märkida, et nendele andekatele kunstnikele määratud ülesannete tüübi tõttu olid nad enamikul juhtudel oma töös piiratud ega suutnud anda fantaasiale ning realismi ja rahvuslikkuse ihale täit mängu. olid juba nende keskel ärganud. See ruum avanes Aleksander II suurte reformide ajastu tulekuga – ajastu, mil Venemaa kirjelduskunstid muutusid oma kirjandust järgides vene ühiskonnas ärganud eneseteadvuse väljendajateks ja hakkasid tahtmatult reageerima. oma kahtlustele, soovidele ja lootustele. Asi ei saanud edasi minna ilma kõhkluste ja valede kõrvalehoidmisteta; Sellegipoolest võitis oma üldises liikumises suure sammu edasi astunud uusim vene skulptuur mitte ainult kõrgklassi, vaid ka oma põlisühiskonna masside poolehoidu ja sundis välismaalasi tunnistama algupärase vene koolkonna olemasolu. Kunstnikest, kes sellele suuremal või vähemal määral kaasa aitasid ja ka 19. sajandi teise poole vene skulptuuri väärikust toetasid, võib nimetada: M. M. Antokolskit (kujud “John Julm”, “Kristus rahva ees ”, “Sokratese surm”, “Mefistofeles” Ermitaažis; Peeter Suure kuju Peterhofis), N. R. Bach (kuju “Pythia”), R. R. Bach (kuju “Ondine”; kõrged reljeefid “Päkapikk” ja “Idüll” ”), A. R. von Bock (grupp "Minerva" Kunstiakadeemia kuplil, krahv Paskevitši monumendid Varssavis ja M. Glinka Smolenskis; kuju "Psyche" ja rühmitus "Venus ja Cupido"), P. A. Velionsky (kuju "Gladiaator", bareljeef "Veenus esindab Cupid" olümplasi"), P. P. Zabello (Puškini kuju keiserlikus Aleksandri lütseumis, "Tatjana, Puškini romaani kangelanna" H.I.V. keisrinna Maria Fedorovna juures ja "Merineitsi" purskkaevu jaoks aastal Kaasan), G. R. Zaleman (kuju "Orestes jälitavad fuuriad", rühm "Cimbri", bareljeef "Styx"), F. F. Kamensky (kujud "Poissskulptor" ja "Tüdruk seenekorjaja" ning rühm "Esimene samm" Ermitaaž), V. P. Kreitan (portreebüstid), N. A. Laveretski (rühmad “Varajane koketeerimine” Ermitaažis ja “Poiss ja tüdruk linnuga”); „Rhodope“ kuju), E. E. Lansere (väikesed lahingu- ja igapäevaelu grupid ja kujukesed suurepäraste hobuste figuuridega), N. I. Liberich (figuurid ja väikesed rühmad, mis kujutavad sõjaväe- ja jahindusobjekte), L. L. Obera (sama laadi teosed), A. M. Opekušin (Moskva Puškini monument), I. I. Podozerov (kujud “Amor liblikaga” ja “Eeva”; portreebüstid), M. P. Popov (kuju “Napoli kalur, mängib mandoliini”, “Koketitüdruk”, “Fryna” ), A. V. Snigirevski (kuju “Uudishimu”, rühm “Tormi sisse”; žanrilise iseloomuga väikerühmad), M. A. Tšižov (rühmad “Hädas talupoeg”, “Pimeda mehe blufimäng”, “Ema õpetab lapsele omakeelset sõna ”; “Esimene armastus"; kuju "Frolic") ja lõpuks I. N. Schroeder (vürst P. G. Oldenburgi ja Krusensterni monumendid Peterburis; Peeter Suure Petroskois).

Skulptuur, selle liigid ja omadused

Sissejuhatus

1. Skulptuur ja selle liigid

Ümmargune skulptuur

Leevendus

2. Skulptuurieesmärkide liigid

Monumentaalne

Monumentaalne ja dekoratiivne

Molbert

Väike skulptuur

3. Materjalid skulptuuride valmistamiseks

4. Skulptuuride värvilahendus

5. Skulptuurse teose loomise protsess

Järeldus

Bibliograafia

Sissejuhatus

Viimastel aastatel on oluliselt elavnenud inimeste ja pealtvaatajate huvi nähtuste, nii klassikalise kunstipärandi kui ka moodsa kunsti esteetilise mõistmise, maitse ja õige arusaamise ilu viljelemise vastu. See huvi on eriti teravnenud viimasel ajal seoses elavate aruteludega kaasaegse kunsti probleemide, selle tunnuste, saavutuste ja üksikute puuduste üle. Kujutava kunsti saavutused on väga märgatavad erinevates kunstiliikides, need on märgatavad ka skulptuuris.

Kui küsite kelleltki, kas ta teab, mis skulptuur on, "muidugi, jah", vastab ta. Kui aga küsida, mida ta mõistab sõna "skulptuur" all, milliste suurte skulptorite nimesid ta teab, milliste vahenditega skulptor oma plaani väljendab, miks on mõned elava reaalsuse nähtused kujudes kehastamiseks saadaval, teised aga mitte. , millised on seega skulptuurikunsti võimalused ja eripärad - siis ei oska kõik neile küsimustele kohe vastata. Proovime selle välja mõelda. Skulptuurikunst mängib meie elus suurt rolli. Peegeldades ilusat tegelikkuses, kujundab see omakorda meie teadvust, maitset ja ideid ilust. Iga kultuuriinimene peaks õppima seda mõistma ja oma silmaringi selles vallas avardama.

1. Skulptuur ja selle liigid

Skulptuur - kujutava kunsti liik, mille teosed on ruumilise, ruumilise kujuga ja valmistatud tahketest või plastilistest materjalidest.

Mida tähendab sõna "skulptuur"? Koos terminiga “skulptuur”, mis tuleneb ladinakeelsest sõnast sculpere – lõikama, nikerdama, kasutatakse samaväärsena sõna “plastik”, mis pärineb kreekakeelsest sõnast pladzein, mis tähendab skulptuuri. Algselt mõisteti skulptuuri all sõna kitsamas tähenduses skulptuuri, nikerdamist, koorimist, tükeldamist, lõikamist ehk sellist kunstiteose loomise viisi, mille käigus kunstnik eemaldab, lööb maha liigsed kivitükid või kivikihid. või puit, püüdes justkui vabastada plokkskulptuursesse vormi peidetud vangi. Plastika all mõistsid nad skulptuuriteose loomise vastupidist moodust - savist või vahast modelleerimist, mille puhul skulptor ei vähenda, vaid vastupidi, suurendab mahtu. Skulptuuri põhiobjektid on inimesed ja loomamaailma kujutised. Peamised skulptuuriliigid on ümarskulptuur ja reljeef.

Skulptuur jaguneb vormi järgi kahte põhitüüpi : ümarskulptuur ja reljeef. Ümmarguse skulptuuri puhul on tavaliselt töödeldud selle kõik küljed ja seetõttu soovib vaataja selle ümber käia ja seda ringi kõikidest punktidest uurida, et pildi sisu terviklikumalt tajuda.

Ümmargune skulptuur

Alati ühendatud kindla ruumilise keskkonnaga, valgustatud loomuliku või kunstliku valgusega. Valgus ja vari on vahendid skulptuuri kunstilise ja plastilise olemuse paljastamiseks. Need asuvad pinnal vastavalt skulptuuri iseloomule ja valgusallika asukohale. Ringskulptuuril on mitmeid sorte. Peamised neist on kuju, kahe või enama üksteisega sisult ja kompositsioonilt seotud figuuri rühm, pea, büst (inimese rinna- või vööpilt).

Peamised ümarskulptuuri liigid on: kuju, kujuke, büst, torso ja skulptuurirühm.

Rind- rinna-, vöö- või õlgadeni inimese kujutis ümarskulptuuris.

Skulptuurimasin- puidust statiiv pöörleva ümmarguse või kandilise laudalusega, millele asetatakse loodava ümarskulptuuri töö.

Kujuke- väikese plastilise kirurgia tüüp; Lauaplaadi (kapi) suuruses kuju on elusuurusest palju väiksem, kasutatakse interjööri kaunistamiseks. Kuju- eraldiseisev kolmemõõtmeline pilt täispikast inimfiguurist, samuti loomast või fantastilisest olendist. Tavaliselt asetatakse kuju postamendile. Niinimetatud ratsakujul on kujutatud ratsanik.

Torso- inimese torso skulptuurne kujutis ilma pea, käte ja jalgadeta. Torso võib olla iidse skulptuuri fragment või iseseisev skulptuurikompositsioon.

Krüsoelefantiini skulptuur- antiikkunstile iseloomulik kullast ja elevandiluust skulptuur. Krüsoelefantiini skulptuur koosnes puitraamist, millele oli liimitud elevandiluust plaadid, mis kujutasid alasti keha; Riided ja juuksed olid kullast.

Kompositsiooni põhimõtted sisse ümmargune skulptuur on mõnevõrra erinevad sama teema kompositsiooni põhimõtetest maalikunstis. Skulptor püüdleb äärmise lühiduse, range valiku ja ainult nende hädavajalike detailide ja üksikasjade säilitamise poole, ilma milleta oleks teose tähendus ebaselge. Selline enesepiiramine tuleneb skulptuurploki olemusest - kivist või puidust, mille terviklikku mahtu ei saa liiga purustada. Peened detailid häiriksid selle skulptuuriploki ühtsust. Ümarskulptuuris on mitmefiguurilist stseeni väga raske lahendada. Figuurid tuleb tuua võimalikult lähedale ja samal ajal jälgida, et üks kuju ei varjaks teist, kuna nende ühtsus takistab selge silueti tuvastamist. Mitmefiguuriliste kompositsioonide kallal töötades ehitavad skulptorid neid kõikehõlmavat vaadet silmas pidades ja mõtlevad läbi kogu teose kui terviku silueti. Nii ehitati paljude monumentide kompositsioon: “Venemaa 1000. aastapäev” Novgorodis, Katariina II Leningradis, Ševtšenko Harkovis, kindral Efremov Vjazmas jt. Kõigis neis monumentides on figuurid pööratud igas suunas nagu kompositsioonikeskusest lähtuvad kiired ja kogu monumendi vaatamiseks peab vaataja selle ümber kõndima.

Reljeefi roll skulptuuritüübina on väga märkimisväärne. Sellel on iidne ajalugu, suur kunstiline potentsiaal ning sellel on oma kunstilised ja tehnilised omadused.

Leevendus

(itaalia keelest reljeevo - väljaulatuvus, kumerus, tõus) on oma visuaalsetes võimalustes vahepealsel kohal ümmarguse skulptuuri ja tasapinnal oleva kujutise (joonistus, maal, fresko) vahel. Reljeef, nagu ümmargune skulptuur, on kolmemõõtmeline (kuigi kolmas, sügav mõõde on sageli mõnevõrra lühendatud ja tinglik). Reljeefsete figuuride kompositsioon rullub lahti mööda tasapinda, mis on nii pildi tehniliseks aluseks kui ka taustaks, mis võimaldab reljeefselt taasesitada maastikke ja mitmefiguurilisi stseene. See orgaaniline seos tasapinnaga on reljeefi tunnusjoon.

Eristatakse madalat reljeefi ehk bareljeefi (prantsuse sõnast bas - madal), st sellist, mille puhul kujutis ulatub vähem kui poole oma mahust taustatasandist kõrgemale, ja kõrgreljeefi ehk kõrgreljeefi ( prantsuskeelsest sõnast haut - kõrge), kui pilt ulatub üle poole oma mahust taustatasandist kõrgemale ja ümardades kohati isegi osaliselt taustast lahti. Reljeef tausta suhtes ei pruugi olla kumer, vaid nõgus, süvenenud ehk justkui pöördvõrdeline. Seda tüüpi reljeefi nimetatakse "koylanoglüüfiks". See oli laialt levinud Vana-Ida kunstis, Egiptuses ja muistses kivinikerduses. "Klassikaline reljeef", mis on eriti iseloomulik antiikaja ja klassitsismi kunstile, on valdavalt sileda taustaga. Sellise reljeefi näide on maailmakuulus Parthenoni friis, mis kujutab Ateena kodanike pidulikku rongkäiku Athena templisse suure Panathenaia päeval. Kompositsiooni kõrge meisterlikkus, rütmiline ja samas ebatavaliselt loomulik, graatsiliste drapeeringute skulptuuri ilu viitab sellele, et selle friisi autoriks võis olla Phidias ise (5. saj eKr) või tema lähimad andekad abilised.

Klassikalisel reljeefil on monumentaalseid jooni: tasasel taustal olev pilt ei hävita seina tasapinda, vaid näib levivat selle taustaga paralleelselt. Sellist reljeefi on lihtne ette kujutada friisi kujul - horisontaalne riba, mis jookseb ümber hoone seina. Seetõttu võib “klassikalist reljeefi” liigitada monumentaal- ja dekoratiivskulptuuri osaks, mida tavaliselt seostatakse arhitektuuriga. Arhitektuurse struktuuriga võib seostada mitte ainult bareljeefi, vaid ka kõrget reljeefi.

Kuid on reljeefi tüüp, mis pole arhitektuuriga üldse seotud ja on sellele isegi “vastunäidustatud”. See on nn maaliline reljeef"Oma eesmärkidelt on see maalilisele maalile lähedane, mitmeplaaniline, loob sügavale sügavusse mineva ruumi illusiooni. Saab kombineerida bareljeefi ja kõrgreljeefi põhimõtteid, sisse saab tuua arhitektuurse või maastikulise tausta, reljeefi ja kõrgreljeefi põhimõtete järgimine on väga hea." ehitatud perspektiivselt.Sellise reljeefi sügavus ja illusoorne olemus näivad tasapinnalisi seinu hävitavat.Kuna on iseseisev, arhitektuuriga mitteseotud molbertiteos, saab selle paigutada igasse interjööri, nagu maali.

2. Skulptuurieesmärkide liigid

Skulptuur jaguneb vastavalt otstarbele:- monumentaalseks; - monumentaalseks ja dekoratiivseks; - molbert; ja - väikevormide skulptuur.

Esimene ja võib-olla peamine jaotis on monumentaalne skulptuur, mis hõlmab ühe- ja mitmefiguurilisi monumente, silmapaistvate sündmuste mälestusmonumente ja büstmonumente. Kõik need on paigaldatud avalikesse kohtadesse, enamasti õues. Need on alati üldise disaini ja kunstilise vormi poolest, mida eristavad suured suurused (tavaliselt kaks või kolm loomulikku suurust) ja materjali vastupidavus. Monumentaalskulptuur edendab kõige olulisemaid transformatiivseid sotsiaalseid ideid. Monument meeldib alati laiadele pealtvaatajate massidele ja kinnitab positiivset kuvandit (muidugi selle monumendi ehitajate seisukohalt). Linnamonumendid (nende ehitamine on tavaliselt riigi kontrolli all) põlistavad neid inimesi, kes on saanud üldtuntuks. Linnaväljakule on võimatu püstitada monumenti inimesele, kes on lähedane ainult skulptorile endale - tema naisele, vennale, sõbrale (mitte ainult tehnilistel ja majanduslikel põhjustel), samas kui nende portreesid on täiesti võimalik luua inimese jaoks. näitus või muuseum molberti mõistes. Just siit möödub lõhe molberti ja monumentaalkunsti vahel.

Skulptuur- kujutava kunsti liik; skulptuuriteosed (enamasti inimfiguuri täis- või osakujutised) on kolmemõõtmelise kujuga ning valmistatud tahkest või plastist materjalist.

Koos mõistega "skulptuur" kasutatakse sünonüümidena mõisteid "skulptuur" ja "plast". Kitsas tähenduses tähendab skulptuur ja skulptuur nikerdamist, kivist lõikamist, puidust nikerdamist; plastiku all - modelleerimine savist, vahast ja muudest viskoossetest materjalidest.

Skulptuur jaguneb kahte põhiliiki: ümmargune ja reljeefne.

Ümmargune skulptuur, mis on mõeldud igast küljest vaatamiseks, jaguneb järgmisteks alatüüpideks: kuju (täispikk figuur), rühm (kaks või enam sisult ja kompositsioonilt seotud figuuri), kujuke (elust palju väiksem figuur), büst (rind- pikkusega inimese kujutis).

Leevendus oma visuaalsetes võimalustes on see vahepealne koht ümarskulptuuri ja tasapinnal oleva kujutise vahel. Nagu ümarskulptuuril, on reljeef kolmemõõtmeline, kuid selle kompositsioon rullub lahti mööda tasapinda ühes või mitmes ruumikihis. Reljeef võib olla tausttasandist kõrgemal väljaulatuv (peamised tüübid: madalreljeef ehk bareljeef ja kõrge - kõrge reljeef) ja sügav (coylanogrif).

Eesmärgi järgi jaguneb skulptuur monumentaalseks, monumentaal-dekoratiivseks ja molbertiks.

Monumentaalskulptuur eesmärk on kinnitada sotsiaalselt olulisi ideid ja meelitada laiale vaatajaskonnale. Suurtes mõõtudes ja vastupidavatest materjalidest valmistatud monumentaalskulptuur paigaldatakse avalikesse kohtadesse vabas õhus (väljakutele, parkidesse) või suurtesse ruumidesse.

Monumentaal- ja dekoratiivskulptuur hõlmab kõiki arhitektuuriga seotud skulpturaalseid kaunistusi: karüatiidid, atlandid, maskaronid, frontoonide kaunistused, friisid, metoobid jne hoonete fassaadidel; kujud ja rühmad hoonete peal või ees, krohvist lambivarjud, paneelid jms hoonete siseruumides. Üks monumentaal- ja dekoratiivskulptuuri liike on aiaskulptuur. Monumentaal- ja dekoratiivskulptuur on loodud arhitektuurse kuvandi rikastamiseks ja arendamiseks, suurendades arhitektuursete vormide väljendusrikkust. Märkimisväärne koht monumentaal- ja dekoratiivskulptuuri vallas on reljeefil.

Molbertskulptuur- arhitektuuriga mitteseotud skulptuuriteos. Enamasti elusuurusest mitte suurem molbertskulptuur on sisult ja teemalt kõige mitmekesisem; see on mõeldud avalikeks ja eluruumideks. See hõlmab ka nn väikevormide skulptuuri. Eriline skulptuuriala koosneb valatud ja reljeefsetest medalitest, tahvlitest ja müntidest, samuti kalliskividest, kunstilistest nikerdustest kivile, puidule ja luule; ehteskulptuurid.

Moodsa aja skulptuur on reeglina monokromaatiline, materjali loomuliku värviga või ühtlaselt värvitud (toonitud krohv, patineeritud pronks). Muistses maailmas oli skulptuur sageli värviline.

Kõik, mis on tõeliselt väärtuslik, on alati väärtuslik! (c) Stone2art Group

Skulptuur kui kujutava kunsti vorm tekkis väga kaua aega tagasi. Paleoliitikum Veenus on selle näide.

(Materjal Vikipeediast – vabast entsüklopeediast)

Skulptuur(lat. skulptuur, alates skulptuur- lõikama, nikerdama) - skulptuur, plastik - kujutava kunsti liik, mille teostel on ruumiline vorm ja mis on valmistatud tahkest või plastilisest materjalist - selle sõna laiemas tähenduses kujundi loomise kunst savi, vaha, kivi, metall, puit, luu ja muud materjalid, inimesed, loomad ja muud loodusobjektid nende kombatavatel, kehalistel vormidel.

Kunstnikku, kes pühendub skulptuurikunstile, nimetatakse skulptoriks või skulptoriks. Tema peamiseks ülesandeks on inimfiguuri edasiandmine reaalsel või idealiseeritud kujul, loomad mängivad tema loomingus teisejärgulist rolli ning muud objektid esinevad ainult alluvatena või neid töödeldakse eranditult dekoratiivsetel eesmärkidel.

Sõna skulptuur, lisaks kunstiliigile endale, tähistab ka iga üksikut kunstiteost.

Skulptuuri liigid

Skulptuuri põhižanrid on portree, ajalooline, mütoloogiline, igapäevane, sümboolne, allegooriline kujund, animalistlik žanr (loomade kujutamine). Skulptuuri kunstilised ja ekspressiivsed vahendid - ruumilise vormi konstrueerimine, plastiline modelleerimine (skulptuur), silueti, faktuuri, mõnel juhul ka värvide arendamine.

Erinevatest külgedest vaadatuna ja vaba ruumiga ümbritsetud ümarskulptuure (kuju, rühm, kujuke, büst (peaskulptuur koos rinnaosaga) on erinevat tüüpi; ja kergendust. Reljeefse skulptuuri puhul näib figuur osaliselt tasasele taustale sukeldunud ja sellest vähem või rohkem kui poole paksuse ulatuses välja ulatuvat (esimesel juhul bareljeef, teisel kõrge reljeef). Monumentaalskulptuur (monumendid, monumendid) on seotud arhitektuurse keskkonnaga, eristub oma ideede olulisuse, suure üldistusastme ja suurte suurustega; monumentaal- ja dekoratiivskulptuur hõlmab igat tüüpi arhitektuuriliste ehitiste ja komplekside kaunistusi (atlandid, karüatiidid, friisid, frontoon, purskkaev, aiaskulptuur); keskkonnast sõltumatu molbertskulptuur on elulähedaste või väiksemate mõõtmetega ning spetsiifilise süva sisuga.

Kujutise materjali ja teostusmeetodi osas jaguneb skulptuur selle sõna laiemas tähenduses mitmeks haruks: voolimine, skulptuur või modelleerimine – pehmest ainest, näiteks vahast ja savist, töötlemise kunst; valukoda ehk toreutika – sulametallist skulptuuri valmistamise kunst; glyptics ehk skulptuur kitsamas tähenduses on kivist, metallist, puidust ja üldiselt tahketest ainetest kujutise nikerdamise kunst; Skulptuuri harudest võib lisaks hõlmata kõvadele ja vääriskividele skulptuurset nikerdamist ning müntide ja medalite markide valmistamist (medalikunst).

Väike skulptuur

Peamine artikkel: Miniatuurne skulptuur

Töö kõrgust ja pikkust saab suurendada 80 sentimeetrini ja meetrini. Tööstuslikult paljundatav, mis pole molbertiskulptuurile omane. Dekoratiiv- ja tarbekunst ning väikevormide skulptuur moodustavad üksteisega sümbioosi, nagu hoone arhitektuur koos seda kaunistava ümarskulptuuriga, moodustades ühtse ansambli. Väikevormide skulptuur areneb kahes suunas - massiobjektide kunstina ja ainulaadsete, individuaalsete teoste kunstina. Väikeskulptuuri žanrid ja suunad - portree, žanrikompositsioonid, natüürmort, maastik. Väikesed, ruumiliselt mahukad vormid, maastikukujundus ja kineetiline skulptuur.

Muud tüüpi skulptuurid

Esinemistehnika

"Making of Sculpture in Tiibet", 1905 (Arnold Henry Savage Landor)

Mis tahes töö tegemisel teeb skulptor kõigepealt joonise või foto, seejärel teostab teose matemaatilise arvutuse (määrab toote raskuskeskme, arvutab proportsioonid); seejärel voolib ta vahast või märjast savist väikese maketi, mis annab edasi ideed tema tulevasest tööst. Mõnikord, eriti kui kavandatav skulptuur peab olema suur ja keeruline, peab kunstnik tegema teise, suurema ja detailsema maketi. Seejärel hakkab ta küljendusest või mudelist juhindudes töötama töö enda kallal. Kui kuju tuleb teha, siis võetakse selle jalaks laud, millele paigaldatakse terasraam, painutatakse ja paigaldatakse nii, et ükski osa sellest ei ulatuks tulevase kuju piiridest välja ja see ise toimib selle jaoks omamoodi skeletina; lisaks kinnitatakse nendes kohtades, kus figuuri kehal peaks olema märkimisväärne paksus, terastraadiga raami külge puidust ristid; samades figuuri osades, mis ulatuvad õhku, näiteks sõrmedes, juustes, rippuvates rõivavoltides asendatakse puidust ristid keerdtraadi või kanepiga, leotatakse õlis ja keeratakse kiududena kokku. Asetades sellise kujuraami statiivile, nimetatakse statsionaarset või horisontaalselt pöörlevat masinat täika, hakkab kunstnik katma raami vormitud saviga, nii et saadakse üldjoontes mudeliga sarnane figuur; seejärel, eemaldades ühest kohast liigselt peale kantud savi, teises kohas lisades selle puudujääki ja viimistledes figuuri osade kaupa, viib ta selle järk-järgult soovitud sarnasuseni loodusega. Selleks tööks kasutab ta erineva kujuga peopesa- või terastööriistu, nn virnad, aga veelgi enam tema enda käte sõrmed. Kogu skulptuuri jätkamise ajal on vaja, et vältida pragude tekkimist kuivavas savis, pidevalt säilitada selle niiskust ja selleks aeg-ajalt niisutada või piserdada figuuri veega ning katkestades töö. kuni järgmise päevani mähkige see märja lõuendi sisse. Sarnaseid tehnikaid kasutatakse ka märkimisväärse suurusega reljeefide valmistamisel - ainsa erinevusega, et savi tugevdamiseks kasutatakse raami asemel suuri terasnaelu ja polte, mis lüüakse laudpaneeli või madalasse kasti, mis toimib raamina. reljeefi alus. Olles voolimise täielikult lõpetanud, hoolitseb skulptor oma tööst savist tugevamast materjalist täpse foto tegemise eest ning kasutab selleks voolijat. See viimane eemaldab savi originaalist nn must vormiriietus (á creux perdu) alabastrist ja sellele valatakse teose kips. Kui kunstnik soovib saada valatud mitte ühes, vaid mitmes eksemplaris, siis valatakse need nn. puhtal kujul (à bon creux), mille valmistamine on eelmisest tunduvalt keerulisem (vt vormimine).

Kipsvalanduse kättesaamisega võib lugeda olulise osa skulptori kunstilisest ülesandest täidetuks: jääb üle vaid paljundada valandit vastavalt soovile kas kivis (marmor, liivakivi, vulkaanituff jne) või metallis. (pronks, tsink, teras jne) .), mis on juba poolkäsitöö. Marmor- ja kiviskulptuuri tegemisel üldiselt kaetakse krohvi originaali pind terve punktide võrgustikuga, mida kompassi, loodijoone ja joonlaua abil korratakse viimistletaval plokil. Sellest läbitorkamisest juhindudes eemaldavad kunstniku assistendid tema järelevalve all lõikuri, peitli ja haamriga ploki mittevajalikud osad; mõnel juhul kasutavad nad nn täpiline raam, milles vastastikku lõikuvad niidid näitavad neid osi, mis tuleks ära lüüa. Nii tuleb karedast plokist vähehaaval välja kuju üldvorm; see valmib kogenud töömeeste käe all õhemaks ja peenemaks, kuni lõpuks annab sellele lõpliku viimistluse kunstnik ise ning pimsskiviga poleerimine annab teose pinna erinevatele osadele võimaliku sarnasuse sellega, mida loodus ise selles osas esindab. Et sellele optiliselt lähemale jõuda, hõõrusid iidsed kreeklased ja roomlased oma marmorskulptuure vahaga ning isegi värvisid kergelt ja kullatasid (vt polükroom).

Materjalide kasutamine

Pronks

Puu

Puitu on skulptuuride materjalina kasutatud juba iidsetest aegadest; kuid puuskulptuuri austati eriti keskajal ja vararenessansi ajal Saksamaal, varustades kirikuid maalitud ja kullatud pühakukujude, keerukate altarikaunistuste, figuursete jubede, kantslite ja kooriistmetega. Sellise käsitöö jaoks kasutatakse pehmet, kergesti lõigatavat pärna- või pöökpuitu.

Väärtuslikud materjalid

Väärismetalle, aga ka elevandiluud, kasutatakse nende kõrge hinna tõttu eranditult väikeste skulptuuride jaoks. Vana-Kreeka kunsti õitseajal leidis elevandiluu aga kasutust ka suurtes, lausa kolossaalsetes teostes – nn krüsoelevantskulptuurides. Lõpetuseks, mis puudutab kõvasid kive, tuleb märkida, et iidsetest aegadest on need mänginud olulist rolli väikestes plastilistes teostes, nagu kameed ja kalliskivid. Selliste tööde jaoks võetakse kõige sagedamini oonüks, mis võimaldab kunstnikul tänu selle kivi mitmevärvilistele kihtidele saada väga maalilisi efekte.

Kunstlik kivi

Praeguses arengujärgus on skulptuuride valmistamisel saanud suure tähtsuse tehiskivist või dekoratiivbetoonist. Sellest valmistatakse palju nõukogudeaegseid skulptuure. Kõige grandioossem konkreetne looming on Mamajevi Kurgani kodumaa. Tehiskivist tööde üheks eripäraks on nende vastupidavus (vandalismiaktide puudumisel ja korralik hooldus), lisaks on meistril oskus imiteerida kalleid looduslikke materjale (graniit, marmor, lubjakivi jne).

Lugu

Vana maailm

Iidne Egiptus

Nefertiti (Egiptuse 18. dünastia) tütar

Egiptuse skulptuur jäi kogu oma ajaloolise elu jooksul arhitektuuri lahutamatuks kaaslaseks, järgides selle põhimõtteid ja kaunistades oma hooneid jumalate, kuningate, fantastiliste olendite ja ehitise otstarbele vastavate plastiliste maalidega. Alguses (Memphise perioodil), hauataguse elu kohta levinud ideede mõjul, näitas see tugevat kalduvust realismi poole (portreekujud mastabades ja matusegrottides, vaarao Khafre kuju ja Kairo šeik el Beled Egiptuse muuseum, Louvre'i "Scribe" jne), kuid seejärel külmutas tavapärastes, kunagi väljakujunenud vormides, mida peaaegu ei saanud muuta kuni Egiptuse kuningriigi langemiseni. Hämmastav kannatlikkus ja osavus tehniliste raskuste ületamisel selliste kõvade materjalide nagu dioriit, basalt ja graniit töötlemisel, hõimutüübile iseloomulik reprodutseerimine, kolossaalsuse ja rangelt proportsionaalsete kujundite vormisümmeetria ja pühaliku rahu andmisega saavutatud majesteetlikkus - need on Egiptuse Teeba ja Saisi ajastute kujude eripärased omadused, mis kannatasid siiski individuaalse iseloomu ja tegeliku elu väljenduse puudumise tõttu (Ramses II hiiglaslikud figuurid Abu Simbelis, Memnoni kujud jne). Egiptuse skulptorid olid jumalate kujutamisel väga osavad inimvormide kombineerimisel loomamaailma vormidega, kuid veelgi osavamad olid nad loomakujude taasesitamisel (lõvipaar Rooma Kapitooliumi trepil). Erinevates värvides maalitud reljeefid katsid Egiptuse hoonete seinu ohtralt, nagu vaibad, kujutades vaaraode vägitegusid ja Venemaa ajaloo meeldejäävaid sündmusi - templites ja paleedes, episoode igapäevaelust ja jumalate austamist - matuserajatistes. Nende reljeefide teostusviis oli eriline: nendel olevad figuurid kas eendusid veidi süvendatud taustal (tasakummerad reljeefid, koylanaglüüfid), või, vastupidi, läks veidi sügavamale taustale (tasa-nõgusad reljeefid). Perspektiivi puudumine, kompositsiooni ja kujunduse konventsionaalsus ning muud puudused ei takista neid kujundeid olemast peensusteni detailne narratiiv rahva elust, uskumustest ja ajaloost.

Mesopotaamia

Assüüriast pärit tiivuline pull

Mesopotaamias, piirkondades, kus kunagi valitses Babülon ja Niinive, läbi viidud väljakaevamised tutvustasid teadusmaailma kaldea-assüüria skulptuuri (1000–600 eKr). Ja siin oli see kunstiharu arhitektuuriga tihedas seoses, isegi tugevam kui egiptlaste oma. Tema peamine kutsumus oli kuninglike paleede hiilguse suurendamine. Nimrudi, Khorsabadi ja Kuyunjiki paleevaremetest leitud skulptuurimälestised koosnevad seinareljeefidest, millel on kujutatud kuningate elu erinevaid episoode, sõjalisi vahejuhtumeid ja jahistseene. Nende teoste eripäraks on reljeefi üsna märkimisväärne kumerus, kontseptsiooni tõsidus, füüsilise jõu liialdatud väljendus tihedates, lihaselistes kujundites ning individuaalse iseloomu ja vaimse elu puudumine neis. Need figuurid on oluliselt halvemad loomade kujutistest, mida Mesopotaamia kunst reprodutseeris mõningase looduse mõistmisega. Religioosse skulptuuri osas leiame kaldealaste ja assüürlaste seas peaaegu eranditult väikeseid pronksist ja terrakotast heatahtlike ja kurjade deemonite kujukesi, mis mõnikord esindavad inimvormide edukat, mõnikord koletu kooslust loomavormidega. Sedalaadi suurtest teostest võib välja tuua vaid tiivaga härjad ja tiaaraga kroonitud habemega inimpeaga lõvid - kolossaalsed poolkujud, poolreljeefid, mis seisavad paarikaupa justkui valvel kuninglike elamute sissepääsude juures. .

Vana-Pärsia

Assüüria kunst läks koos oma jõuga meedlastele ja nende kaudu pärslastele (560-330 eKr), kes pärisid sealt nii skulptuuri kasutamise kuninglike paleede kaunistamisel kui ka selle vormid ja sisu. Persepolise ja Susa kuninglike residentside varemetest leitud skulptuurimonumendid koosnevad peamiselt kuninga ja õukonnaeluga seotud kujutistega reljeefidest ning fantastilistest palee väravavahtidest – inimpeaga tiivulistest loomadest. Ei saa aga öelda, et Pärsia plastiline kunst oleks assüüriaga võrreldes märkimisväärse sammu edasi teinud: vastupidi, energiliste figuuride ja liikumist täis vormide asemel, mida viimastes nägime, on siin elutud ja loiud kujundid, korratakse keerulistes stseenides tüütu monotoonsusega, samades välimustes ja poosides; Pärsia skulptorid näitavad teatavat edu ainult ühes asjas, nimelt mõistmises, kui oluline on drapeeringuvoldid inimkeha vormide ja selle liigutuste näitamisel; kuid nende voldid on kuivad, teravad, nagu tärgeldatud.

Vana-India

"Dancing Shiva", 11. sajandi kujuke (Chola osariik)

Muistsete indiaanlaste religioossed vaated kajastusid tugevalt nende skulptuuris, mille vanimad mälestusmärgid pärinevad ligikaudu kolmanda sajandi poolest eKr. e. See kunstiharu, isegi Induse kallastel, oli otseses seoses arhitektuuriga: tippudes, koopatemplites ja pagoodides väljendunud salapära ja müstika avaldus veelgi selgemalt jumalate ja kujundite plastilistes personifikatsioonides. nende sümboolsetest tegudest, mis on kujundatud reljeefselt räästas asuvatele sammastele ja nende pühapaikade niššidesse. Kuid India jumaluste mõisted ei tekkinud mitte selgetest, puhtinimlikest ideedest, vaid unenäolistest ja fantastilistest ideedest; Seetõttu kehastusid jumalakujutised ja nende saatuste ajalugu, sügav hirm tundmatu ees indiaanlaste seas veidrate piltide tumedas tsüklis, liialdatud poosides ja figuuride rahututes liigutustes, tugeva kire ja kire varjundiga. sensuaalsus (eriti naisfiguuride puhul), peade, käte ja üldse kehaliikmete kummalises kuhjas või inim- ja loomavormide kummalises koosluses. Tehniliselt annavad sellised teosed tunnistust nende esitajate märkimisväärsest oskusest.

Sissejuhatus

Skulptuur ja selle liigid

Skulptuur - kujutava kunsti liik, mille teosed on ruumilise, ruumilise kujuga ja valmistatud tahketest või plastilistest materjalidest.

Ümmargune skulptuur

Peamised ümarskulptuuri liigid on: kuju, kujuke, büst, torso ja skulptuurirühm.

Rind - rinna-, vöö- või õlgadeni inimese kujutis ümarskulptuuris.

Skulptuurimasin - puidust statiiv pöörleva ümmarguse või kandilise laudalusega, millele asetatakse loodava ümarskulptuuri töö.

Kujuke - väikese plastilise kirurgia tüüp; Lauaplaadi (kapi) suuruses kuju on elusuurusest palju väiksem, kasutatakse interjööri kaunistamiseks. Kuju - eraldiseisev kolmemõõtmeline pilt täispikast inimfiguurist, samuti loomast või fantastilisest olendist. Tavaliselt asetatakse kuju postamendile. Niinimetatud ratsakujul on kujutatud ratsanik.

Torso - inimese torso skulptuurne kujutis ilma pea, käte ja jalgadeta. Torso võib olla iidse skulptuuri fragment või iseseisev skulptuurikompositsioon.

Krüsoelefantiini skulptuur - antiikkunstile iseloomulik kullast ja elevandiluust skulptuur. Krüsoelefantiini skulptuur koosnes puitraamist, millele oli liimitud elevandiluust plaadid, mis kujutasid alasti keha; Riided ja juuksed olid kullast.

Kompositsiooni põhimõtted sisseümmargune skulptuur on mõnevõrra erinevad sama teema kompositsiooni põhimõtetest maalikunstis. Skulptor püüdleb äärmise lühiduse, range valiku ja ainult nende hädavajalike detailide ja üksikasjade säilitamise poole, ilma milleta oleks teose tähendus ebaselge. Selline enesepiiramine tuleneb skulptuurploki olemusest - kivist või puidust, mille terviklikku mahtu ei saa liiga purustada. Peened detailid häiriksid selle skulptuuriploki ühtsust. Ümarskulptuuris on mitmefiguurilist stseeni väga raske lahendada. Figuurid tuleb tuua võimalikult lähedale ja samal ajal jälgida, et üks kuju ei varjaks teist, kuna nende ühtsus takistab selge silueti tuvastamist. Mitmefiguuriliste kompositsioonide kallal töötades ehitavad skulptorid neid kõikehõlmavat vaadet silmas pidades ja mõtlevad läbi kogu teose kui terviku silueti. Nii ehitati paljude monumentide kompositsioon: “Venemaa 1000. aastapäev” Novgorodis, Katariina II Leningradis, Ševtšenko Harkovis, kindral Efremov Vjazmas jt. Kõigis neis monumentides on figuurid pööratud igas suunas nagu kompositsioonikeskusest lähtuvad kiired ja kogu monumendi vaatamiseks peab vaataja selle ümber kõndima.

Reljeefi roll skulptuuritüübina on väga märkimisväärne. Sellel on iidne ajalugu, suur kunstiline potentsiaal ning sellel on oma kunstilised ja tehnilised omadused.

Leevendus